(+FOTOS): Conozca el filme ganador de la Palma de Oro de #Cannes2014

(FESTIVAL-CANNES - PD BLOG) - Internacionalmente hablando, el Festival de Cine de Cannes siempre ha dado de que hablar, cualquier cineasta respetado, con un buen criterio y objetividad, en cuanto al cine se refiere, quiere tener el privilegio de estar nominado o por lo menos de participar en esta ceremonia. Desde que se tuvo la iniciativa de crear este Festival nunca se llegó a pensar que se convertiría tan importante, tan respectado y tan aclamado por todos los cineastas del mundo, por lo que no es de extrañar que muchos lo consideren el premio más importante que el cine puede recibir. Tras 10 días de estrenos y encuentros cinematográficos, el Festival de Cine más famoso e importante del mundo llega a su fin con el anuncio de los respectivos ganadores.

“Cannes se convirtió en un evento muy importante para los intereses de los críticos de todo el mundo, además de promover los intentos europeos de vender películas en función de su calidad artística”, expresaban Jill Forbes y Sarah Street en la publicación del libro European Cinema: An Introduction, que habla del auge que el cine europeo ha tenido en todo el mundo, enfocándose primordialmente en su distintiva manera de dirigir, producir y escribir filmes.

El jurado es presidido por la cineasta neozelandesa, Jane Campion. La acompañan Carole Bouquet, actriz (Francia); Sofia Coppola, directora (Estados Unidos); Leila Hatami, actriz (Irán); Do-Yeon Jeon, actriz (Corea); Willem Dafoe, actor (Estados Unidos); Gael García Bernal, actor y productor (México); Zhangke Jia, realizador, productor (China), y Nicolas Winding Refn, realizador, productor (Dinamarca).

El Festival Internacional de Cine de Cannes fue, es y será considerado el punto de encuentro de cine más famoso de Francia y del mundo. Su manera de criticar, observar, catalogar, premiar y respetar las realizaciones cinematográficas que tienen la oportunidad de participar le ha valido para que no solo los directores, productores, guionistas y demás cineastas lo respeten sino también para que el público en general le tenga un gran cariño y admiración.

A continuación la lista completa de ganadores:

Palma de Oro

Winter Sleep de Nuri Bilge Ceylan (Turquía)

Grand Prix

The Wonders de Alice Rohrwacher (Italia)

Mejor Director

Bennet Miller por Foxcatcher (Estados Unidos)

Premio del Jurado

  

Mommy de Xavier Dolan (Canadá) y Goodbye to Language de John-Luc Godard (Francia)

Un Certain Regard

White God (Fehér Isten) de Kornél Mundruczó

Mejor Guion

Andrey Zvyagintsev y Oleg Negin por Leviathan

Mejor Actor

Timothy Spall por Mr Turner (Dir. Mike Leigh, Reino Unido)

Mejor Actriz

Julianne Moore por Maps to the Stars (Dir. David Cronenberg, Canadá)

Cámara de Oro

Party Girl  (Dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis, Francia)

Mejor Cortometraje

Leidi, de Simón Mesa Soto (Colombia)

Mención Especial para Cortometraje

Aïssa de Clément Trehin-Lalanne y Ja Vielsker de Hallvar Witzo

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Jane Campion "La fortaleza suele ser una coraza que esconde la vulnerabilidad" #Cannes2014

(FESTIVAL-CANNES) - Frecuenta Cannes desde hace 30 años, y en 1993 obtuvo la Palme d'or con El piano. Además, nueve de sus películas han sido presentadas en Selección. Entrevista con la presidente del Jurado, Jane Campion.

Usted es famosa por su gran dedicación a sus proyectos, ¿cuál ha sido el proyecto que más trabajo le ha dado, o que le ha tomado más tiempo?

Creo que cada película es como un diplomado porque cada una me toma unos tres años. Le dedico toda mi atención a cada película, aunque algunas necesitan más investigación que otras. Cuando era más joven, a los 20 años más o menos, tenía un amigo que quería ser fotógrafo y vivíamos juntos. Pude observar su dedicación al trabajo, su manera de observar constantemente el trabajo de otros profesionales, y eso me enseñó algo que hasta el momento no entendía: si quieres ser bueno en lo que haces, debes trabajar en ello constantemente. He conocido a muchos jóvenes directores que no lo entienden, simplemente dicen "Estoy haciendo mi primer largometraje". Pero no, hay que trabajar, hay tantas cosas que hay que preparar, y si no trabajas en la preparación, perdón por la expresión pero si no lo haces estás jodido.

El año pasado, cuando fue Presidente del Jurado de la Cinéfondation, declaró que no era necesario tener un diploma para realizar una película. ¿Es realmente posible hacer cine sin contar con un diploma?

En mi opinión los diplomas son completamente inútiles. El verdadero diploma es tu primer cortometraje. A veces creo que las exigencias de los estudios corrompen la situación: hay que presentar un trabajo específico para obtener ayuda financiera del gobierno, y eso no tiene nada que ver con el cine. La verdad es que lo necesario es hacer cine, buen cine, eso es todo. El consejo que le doy a todo el mundo es tirar el diploma pues con eso no van a conseguir trabajo.

¿La elección de personajes femeninos fuertes en sus películas es algo consciente? ¿Por qué?

No creo que todos mis personajes sean fuertes en realidad. Por ejemplo, creo que Janet Frame era en realidad muy frágil e insegura. Ese tipo de personaje no me interesa mucho, y lo digo también por mí, las personas que aparentan ser fuertes esconden muchas veces su vulnerabilidad. Me interesa lo que se esconde detrás de la fachada y creo que, en la vida real, aprendo más cuando soy vulnerable. Cuando no te sientes a gusto, lo más probable es que te encuentres en el lugar indicado.

Sus películas suelen destacar la belleza de Nueva Zelanda. ¿Su país es para usted una fuente de inspiración?

Crecí en Nueva Zelanda, amo el bush, me encanta recorrerlo y sentirme libre, amo ese aspecto salvaje. Cuando tenía 13 años mis padres tenían una grana cerca del mar, y yo tenía un caballo que solía montar. Sé que es una imagen muy romántica pero la verdad es que el caballo se portaba muy mal. Existe una gran diferencia entre las fantasías románticas y la realidad. Intenté muchas veces ir hasta la playa con mi caballo pero él tenía otras ideas en mente y siempre quería regresar a casa. Siempre he sentido un gran afecto por esos paisajes. Soy muy sensible a ellos, tal vez incluso hipersensible. Creo que es algo que te fuerza realmente a tomar conciencia quien eres. La naturaleza puede igualmente tornarse fea. La verdad es belleza y la belleza es verdad, es como un acertijo.

Top of the Lake ha tenido un éxito enorme, ¿su próximo proyecto será una serie o una película?

Mi próximo proyecto es una nueva serie relacionada con Top of the Lake, un proyecto australiano. Me gusta la idea de mantenerlo en secreto.

Las series adquieren cada vez una importancia mayor respecto al cine, ¿qué tienen las series que no tengan las películas?

En primer lugar, no es necesario hacer tanta publicidad con una serie.

En segundo lugar, las series brindan la oportunidad de desarrollar los personajes y divertirse con ellos, ofrecerles grandes momentos.

En tercer lugar, para mí no es tan estresante. Pero cuando realizo una serie pienso que tal vez me gustaría escribir una historia en menos tiempo, o que tal vez me gustaría hacer otra película. Para ser honesta, toda la publicidad necesaria en torno a una película me frena mucho. Creo que preferiría contar con menos dinero para poder hacer menos publicidad. En mi opinión, una película tiene éxito porque la gente tiene ganas de verla, con publicidad o sin ella. Y si la película es mala, pues no hay publicidad que pueda cambiar eso.

Suele decir que usted es "hija" de Cannes. Hace 30 años que frecuenta el Festival y es la única mujer que ha ganado la Palme d'or. ¿Cómo se siente cuando viene a Cannes?

Es irreal. Me hacía mucha gracia pensar "Dios mío, ¡soy la presidente!". Para mí es difícil creer que he trabajado lo suficiente como para ser Presidente, ¡pero parece que así es! Me siento muy a gusto en el Festival, como en familia. Y supongo que será mi última vez como miembro del Jurado, ¡he terminado mi ciclo en Cannes! Sin el Festival, no hubiese podido tener la carrera que tengo. Recuerdo, antes de Cannes, que muchos profesionales me decían, a propósito de El piano, "Es muy interesante pero es una película pequeña". Y recuerdo que pensaba: tal vez... ¡o tal vez no!

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Tarantino: "Para mí el formato digital representa la muerte del cine tal como yo lo concibo"

(FESTIVAL-CANNES) - Su presencia en Cannes siempre causa un alboroto. De regreso en la Croisette para la proyección de Pulp Fiction (1994) en el Cinéma de la Plage, para celebrar el 20º aniversario de la película, el director estadounidense Quentin Tarantino ofreció una conferencia de prensa ante una sala llena y entusiasta. Adicionalmente, Tarantino rendirá tributo a Sergio Leone durante la ceremonia de clausura del festival, al término de la cual ser realizará una proyección de Por un puñado de dólares.

Quentin Tarantino a propósito de la proyección de Por un puñado de dólares y el formato digital:

"En mi opinión es mucho más que el 50º aniversario del spaghetti western. Se trata además del nacimiento de las películas de acción, un género que comenzó con Por un puñado de dólares. Para mí el formato digital representa la muerte del cine tal como yo lo concibo. Una proyección en formato digital equivale a encender el televisor. Eso no es cine. Si quieres ver una película digital da lo mismo que lo hagas en casa. Espero que esto no sea más que una fase de coqueteo con el formato digital y que la próxima generación se de cuenta de lo que ha perdido".

Quentin Tarantino en la conferencia de prensa 

Quentin Tarantino a propósito de su fascinación por los "malos":

"Como muchos otros directores, siento una gran simpatía por el diablo. Y creo que es algo bastante inconsciente. Me gusta mostrar los personajes a la audiencia revelando su lado más violento y deplorable. Pero una y otra vez, la audiencia está del lado de estos personajes. La década anterior a mi primera película fue la de los años 1980. Ese periodo fue el más represivo para el cine desde los años 1950, ya que la industria quería que el público adorase a los personajes a cualquier precio. Mis películas son una reacción a la represión de los años 1980."

Quentin Tarantino respecto a la importancia de la música en el cine y su gusto por el cine italiano:

"Fueron personas como Sergio Leone quienes dieron a la música un papel tan importante. Sus bandas sonoras originales eran verdaderas composiciones, y formaban parte de la película. Con las películas de Sergio Leone, la música se convirtió en un verdadero vocabulario. De hecho, personalmente siempre he reaccionado muy positivamente al cine italiano. Intento tener su estilo. Comparado con su equivalente en Estados Unidos, el cine italiano tiene algo más, una cierta valentía. O puede que solo sea mi ADN."

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Regreso triunfal de 'Pulp Fiction' a #Cannes2014

(FESTIVAL-CANNES) - Hace ya 20 años que Pulp Fiction obtuvo la Palme d'or. Para celebrar esta ocasión, el Cinéma de la plage será el escenario de una proyección de aniversario que contará con la presencia de Quentin Tarantino, John Travolta y Uma Thurman. Acompañados por los productores Lawrence Bender y Harvey Weinstein, subirán nuevamente las escaleras de Cannes antes de la proyección de aniversario.

Una noche de mayo de 1994. Medianoche, Quentin Tarantino participa en la Competición por primera vez. El Grand Théâtre Lumière está a punto de descubrir el universo único del cineasta, un mundo peligroso, imprevisible, a la vez violento y lleno de humor. Dos horas y treinta y cuatro minutos después, la crítica es únanime: la película es grandiosa.

Quentin Tarantino, Uma Thurman y John Travolta en la alfombra roja de Cannes 2014

Comienza entonces una enorma campaña de promoción, el público general se impacienta. Cinco meses después del Festival de Cannes, Pulp Fiction llega finalmente a las salas de cine. El mundo entero se deja seducir por las tribulaciones y los diálogos mordaces de Vincent Vega (John Travolta) y Jules Winnfield (Samuel L. Jackson), por el twist endiablado de Vincent y Mia Wallace (Uma Thurman), por la alocada persecución de Butch Coolidge (Bruce Willis). La película es un éxito internacional, y alcanza una taqilla de 213 millones de dólares.

Con veinte años, Pulp Fiction ya es un gran clásico que no cesa de inspirar a todo tipo de artistas. Como el célebre artista callejero Banksy, quien transformó un retrato de Vincent y Jules apuntando plátanos en vez de armas. La música pop también se inspira en la película, como lo demuestra Lady Gaga, cuyo vídeo Telephone reproduce la escena del restaurante.

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Suspenso en #Cannes2014 en vísperas de la premiación

(ELUNIVERSAL) - Tras 12 días de proyecciones, fiestas a orillas del mar, anuncios y rumores, el jurado del 67 Festival de Cannes presidido por la neozelandesa Jane Campion e integrado entre otros por el mexicano Gael García Bernal, anunciará los premios el sábado por la noche, tras deliberar ese día en un lugar en las alturas de Cannes mantenido en secreto.

Cannes retenía el aliento el viernes en vísperas del anuncio de la Palma de Oro, tras la irrupción en la recta final de dos fuertes contendientes: Mommy, de Xavier Dolan, de 25 años, y Leviatán, del ruso Andrei Zvyagintsev.

Otras películas que tienen perfume a Palma de Oro, según los críticos en Cannes, son el drama turco Winter sleep, de Nuri Belgi Ceylan, Dos días, una noche, de los hermanos Dardenne, sobre la precariedad económica, un "biopic" sobre el pintor Turner, del británico Mike Leigh y Tombuctú, del mauritano Abdehrrahmane Sissako.

A un día del veredicto, los críticos del mundo que viajaron a Cannes para la mayor cita cinematográfica del planeta hacen sus propios pronósticos, y muchos apuestan por Mommy, el filme del joven prodigio canadiense.

Dolan sorprendió a Cannes con un filme innovador y fuerte sobre la relación de una madre sola con su hijo con problemas emocionales, que cayó como un rayo sobre este Festival.

Si Dolan obtiene la Palma de Oro (a la que aspiran 18 películas, entre ellas Adiós al lenguaje, del octogenarios Jean-Luc Godard, y Relatos salvajes, una comedia negra del argentino Damián Szifrón) sería el realizador más joven en ser premiado con el máximo galardón, después del francés Louis Malle, que la ganó a los 23 años, en 1956, con El mundo del silencio, un documental sobre Jean-Jacques Costeau.

La última sorpresa vino de Rusia

La última sorpresa del certamen la ofreció Leviatán, de Zvyagintsev, quien regresa a Cannes tres años después de participar en la sección oficial Una Cierta Mirada con Elena.

Este drama sobre la Rusia contemporánea, rodada en una pequeña aldea a orillas del mar de Barents (norte), fue muy aplaudido en el pase de prensa, y ha sido calificada de "obra maestra" por el crítico del diario británico The Guardian, Peter Bradshaw.

Vladimir Vdovichenkov, Elena Lyadova y Andrey Zvyagintsev (dir.) 

"Mi película habla de lo que yo conozco, la realidad de la sociedad rusa contemporánea", relató.

Los críticos citan también como fuerte contendiente a Tombuctú, en la que Sissako hace una denuncia del oscurantismo religioso.

Visualmente muy hermosa, la película sobre la guerra santa lanzada hace dos años contra la legendaria ciudad de Tombuctú, en el norte de Mali, es una de las dos cintas políticas que concursan en Cannes. La otra es Jimmy's hall, del británico Ken Loach, que denuncia, como la de Sissako, el fundamentalismo religioso, en este caso en la Irlanda de los años 30.

Ese filme, que fue bien acogido por la crítica, no aparece en las listas de serios contendientes a la Palma de Oro, aunque podría recibir otro premio.

Películas premiadas no suelen ser taquilleras

Las proyecciones del certamen oficial concluyen este viernes de noche, con Sils Maria, del francés Olivier Assayas, con Juliette Binoche, Kristen Steward y Chloé Grace Moretz, sobre una actriz en la cima de su carrera confrontada al tema de la edad, que recibió tibios aplausos en el pase de prensa esta mañana.

Lars Eidinger, Juliette Binoche, Olivier Assayas (dir.) y Chloë Grace Moretz

Sea cual fuere la decisión el sábado del jurado de Cannes, es un hecho que la del público (que se refleja en la taquilla) no suele coincidir: el diario Nice Matin recordaba hoy que Pulp Fiction, con la que Quentin Tarantino obtuvo la Palma de oro en 1994, es la única cinta de las coronadas en este Festival que también triunfó en las salas oscuras. Le sigue Apocalipsis ahora, de Francis Ford Coppola, premiada en 1979.

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Xavier Dolan: "Cuando escribo una película, ya he hecho el tráiler" #Cannes2014

(FESTIVAL-CANNES) - Un gran número de periodistas se hicieron presentes en la conferencia de prensa ofrecida por Xavier Dolan y todo el equipo de la película Mommy. Las actrices Anne Dorval y Suzanne Clément acompañaron al director, así como Antoine Olivier Pilon, quien hace su debut cinematográfico, y la productora Nancy Grant. Fragmentos

Xavier Dolan respecto a la elección del formato 1:1: "Elimina las distracciones. La mirada de los personajes captura la mirada del espectador. Obviamente, brinda posibilidades que permiten jugar con el lenguaje. ¡Adiós al lenguaje!"

Su decisión de trabajar en diversos aspectos de la pelicula, especialmente el vestuario: "A veces no se le da la importancia debida en el cine. Y sin embargo, se trata del primer contacto visual con el espectador. Hago lo que me gusta hacer, y trato de detenerme cuando no sé lo que estoy haciendo".

Conferencia de prensa de Mommy

Suzanne Clément respecto a las libertades que se tomaron durante el rodaje: "Todo está escrito, incluso la música, todo es muy estructurado. Durante el rodaje, abandonarse representa un cierto placer. Hay escenas que se transforman porque Xavier nos lleva en otra dirección a la que no esperábamos rendirnos. Xavier conoce a todos sus personajes. Se convierte en cada uno de sus personajes".

Xavier Dolan respecto a sus referencias: "Mis referencias son menos numerosas de lo que la gente me quiere atribuir. Es cierto que tengo algunos héroes. Gus Van Sant es el que siento más cercano. Sus películas son libres, no siempre rectilíneas, con digresiones que crean emoción".

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Ken Loach: "Es difícil abandonar totalmente el cine" #Cannes2014

(FESTIVAL-CANNES) - Ken Loach se ha rodeado de los pilares de su equipo con motivo de la conferencia de prensa de Jimmy’s Hall: Barry Ward y Simone Kirby en representación de los actores, la productora Rebecca O’Brien, el guionista Paul Laverty y el director de fotografía Robbie Ryan. El director británico de 77 años se ha mostrado locuaz y entusiasta.

Sobre el aspecto técnico y la diferencia entre la película de 35 mm y el cine digital:

Ken Loach: "Con la película de 35 mm, que debe cortarse, se presta más atención a lo que uno hace, es una cooperación mucho más humana. El 35 mm se puede tocar, se ve. Comprar cintas nuevas era muy caro, así que le pedimos a los montadores si tenían alguna cinta antigua guardada en sus garajes, ¡y la gente de Pixar encontró algunas!"

Robbie Ryan: "Es una pena que las cosas cambien tanto, me habría gustado que los dos sistemas pudieran cohabitar pero no es el caso".

Paul Laverty: "A la gente le gustan las tecnologías tradicionales, así que continuaremos cortando cintas".

Rebecca O’Brien: "Jimmy’s Hall es como el fin de una época. El problema es que ya no hay material, ¡ya no existen salas de proyección en Londres!"

Conferencia de prensa de Jimmy’s Hall

Acerca del decorado, de la sala de baile:

Ken Loach: "La sala de baile es un elemento clave. Fue reconstruida íntegramente y luego hubo que destruirla porque desaparecía en un incendio. La gente puede expresarse libremente mediante el deporte gracias a que Jimmy intenta apoyar a los pobres. ¡Es un lugar seguro que representa la libertad de pensar!"

Rebecca O’Brien: "Construimos la sala de baile en Glasgow, y luego la transportamos y montamos in situ. No podríamos haberlo hecho sin el apoyo de la comunidad local, ¡que quería participar a toda costa!"

Acerca del personaje de Jimmy Gralton y de la situación de Irlanda a día de hoy:

Ken Loach: "Creo que la situación en Irlanda es la misma que en muchos otros países europeos, todos estamos sometidos a los dictados del neoliberalismo. Si Jimmy viviera en la actualidad, se opondría a los grandes poderes, a las multinacionales que controlan prácticamente todo. Es ahí donde debe llevarse a cabo la lucha. Creo que si Jimmy estuviera con vida formaría parte de ese combate. Existe un punto en común entre las dos épocas: la alegría de vivir de los jóvenes de esta región de Irlanda, jóvenes que sienten una pasión por la vida que espero que la película haya sido capaz de expresar".

Paul Laverty: "Mucha gente se parece a Jimmy Gralton, personas que intentan tender puentes entre los hombres. Esta película rinde homenaje a las personas modestas, que inyectan energía en su pueblo".

Ken Loach

Sobre el personaje del sacerdote:

Ken Loach: "Prestamos mucha atención a que el sacerdote que se enfrenta a Jimmy fuera un hombre dogmático, sólido. Está contra el jazz y condena a Jimmy Gralton al infierno. La ferocidad de la iglesia en aquella época no debe caer en el olvido".

Paul Laverty: "En los años 30, los sacerdotes estaban investidos de una especie de poder mágico en los pueblos irlandeses, se trataba de algo un tanto pernicioso".

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El prometedor Xavier Dolan cautiva en #Cannes2014 y Ken Loach decepciona

(ELECONOMISTA) - El talentoso director canadiense Xavier Dolan mostró su comedia negra sobre la problemática relación entre un adolescente y su madre en el festival de Cannes, donde también se exhibió el último trabajo de Ken Loach, Jimmy's Hall, sobre un antiguo líder comunista de Irlanda.

La película de Dolan, de 25 años, se ganó las alabanzas de los críticos en su proyección para la prensa el miércoles por la noche. La del británico Ken Loach fue descrita por uno de los críticos como "inerte". Sólo faltan tres días para la entrega de premios.

Xavier Dolan junto al elenco protagónico de Mommy

Mommy es la quinta película de Dolan, que sorprendió en Cannes en 2009 al conseguir tres premios con su primera película I Killed My Mother. Como el título sugiere, es a veces descrito como alguien que hace "terapia a través del cine" para entender la relación con su madre.

"No sé por qué es un terreno tan fértil que me inspira, por qué hablo tan frecuentemente del papel de la madre en la sociedad, el papel de la mujer en general", dijo en rueda de prensa.

Anne Dorval, Antoine-Olivier Pilon y Suzanne Clément

"Crecí en una familia monoparental y vi a mi madre pelear por las cosas", añadió. "Y eso me hizo, a través del cine, vengarme en ese sentido. Tienes el derecho de hacer lo que quieras en una película".

La cautivadora Anne Dorval interpreta a Diane, o "Die", una madre soltera que intenta criar a Steve (Antoine Olivier Pilon), su malhablado e inestable hijo adolescente que acaba de quedar en libertad.

El poder de la iglesia

La nueva película de Loach, director que ganó la Palma de Oro en 2006 por El viento que agita la cebada, basada en la guerra civil irlandesa en 1922-23, vuelve a la Irlanda rural una década después, cuando las divisiones causadas por el conflicto aún están recientes.

En medio de este polvorín surge Jimmy Gralton (Barry Ward), un personaje poco conocido en la historia. Fue comunista cuando solo había 100 en todo el país, llevando a su Irlanda natal una serie de puntos de vista que desarrolló en Estados Unidos durante la Gran Depresión.

Ken Loach

Al principio, Gralton intenta mantener las distancias y vivir tranquilamente con su madre viuda. Pero los vecinos que le ayudaron a construir un salón de baile, ahora abandonado, le convencen para que lo reabra y para que les enseñe a bailar swing, que él había aprendido en EEUU, con música reproducida por un gramófono que se trajo consigo.

Estas y otras acciones rápidamente crean un conflicto entre, por un lado, Gralton y sus seguidores y, por otro, la Iglesia católica y los terratenientes locales. Eso llevó a que Gralton se convirtiera en el único ciudadano de la República Irlandesa en ser deportado de su país, por tener un pasaporte estadounidense, sin un juicio.

Ken Loach junto al reparto de Jimmy's Hall

El guionista Paul Laverty dijo que el retrato del padre Sheridan (Jim Norton), que pensaba que el jazz era una herramienta del demonio y denunció al comunista Gralton desde su púlpito, estaba más matizado de lo que había mostrado su investigación sobre cómo eran realmente los líderes de la Iglesia en aquel tiempo.

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¿Lo sabía? El cartel oficial de #Cannes2014

(FESTIVAL-CANNES) - Para esta edición, el Festival ha elegido el rostro de Marcello Mastroianni que interpreta el mítico personaje de un director de cine en plena introspección. 

El cartel nos observa mientras lo observamos, como en la obra maestra Fellini 8½ (Otto e Mezzo): un mundo en el que el cine combina imaginación y realidad.

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Gael García Bernal: "La migración es la gran aventura de la vida" #Cannes2014

(FESTIVAL-CANNES) - Revelación del Festival con la película de Alejandro González Iñárritu, Amores perros en el año 2000, Gael García Bernal protagonizó también su segunda obra, Babel, en la Sección oficial de 2006. Entrevista con uno de los nueve miembros del Jurado de este Festival de Cannes.

Amores perros, la primera película que tuvo proyectada en Cannes en 2000, lo reveló a nivel mundial. ¿Qué influencia tuvo esta participación en su carrera?

También fue la primera película y la única que vi aquel año. Veníamos a la Semana de la crítica, éramos como ocho personas en un piso. Ese año paseaba por aquí, tenía 22 años. Me dio cierta sensación de suerte poder vivir esto con la primera película que hice. Pero también fui consciente de la elevada responsabilidad de lo que eso traía conmigo mismo. Me empezaron a llamar de diferentes lugares para trabajar y eso es siempre muy emocionante. Sobre todo porque yo no sabía que quería ser actor en ese momento. Quería dirigir, actuar en teatro pero no sabía que quería ser actor profesional, lo supe tres películas después. Antes, me imaginaba un poco como un médico, un médico muy cool que cumple el viernes por la noche, pensé que eso iba a ser mi rollo, escribiendo y actuando en teatro de vez en cuando. Pero ahora sí considero que mi profesión es actor.

¿Qué es lo que más le marcó de ese festival en su momento?

Se mantiene hasta ahora. A pesar de esta fachada de glamour y de elegancia, a pesar de toda la maquinaria detrás del escenario (muchas compañías trabajando, mucha gente moviéndose y haciendo cosas) y a pesar de la expectativa de la gente también, de la ilusión del cine, todo tiene que ver con el cine mismo. Si una película es buena, todo el festival se entera de que hay una película muy buena en determinada sección, aunque sea un lunes, lejos y a las 10 de la mañana. Y eso es magnífico, increíble. Nos pasó con Amores perros, que se convirtió en una de las películas fuertes del año, sino en la más fuerte de aquel año. Eso es interesante, es como una especie de ley o justicia fílmica que sucede, aquella película que logra una alquimia es la que llama la atención. No importa el estatus en el que esté, la maquinaria que tenga o no tenga detrás, lo que importa es el cine. En ese sentido hay una sensación de justicia, y de esperanza también.

Este año, estrenó el documental ¿Quién es Dayani Cristal?, en el que se cuenta el difícil viaje de un inmigrante. ¿El tema de los inmigrantes indocumentados de Centroamérica es un tema que le importa especialmente? ¿Por qué?

Porque he sido inmigrante yo. Soy inmigrante todavía, venimos de familias migrantes. Y porque es la historia esencial del ser humano. Es la primera gran aventura de la vida: moverse, conocer, encontrarse, accidentarse en el camino, creo que ese es un motor fundamental de cualquier narrativa, el viaje. El road movie es un género del cine y de la literatura increíble porque siempre vas viajando con ellos. Sales del cine queriendo viajar. Apela a algo muy esencial de la espiritualidad del andar cotidiano del ser humano y es importante para mí por eso. Con algo tan natural y esencial para los seres humanos, algunos no pueden hacer esta migrancia. Más bien esta migrancia es obligada, es forzada de alguna manera y es condenada, es ilegal. Entonces hay una contradicción muy fuerte que es interesante: el cine es quizás de las pocas formas de expresión que puede darle una identidad propia al viaje y un poder a las personas para que tengan una identidad. Lo que hacen es desaparecer, es la invisibilidad, en la oscuridad la gente se aprovecha. Me siento muy cercano a ellos. Soy medio chino, africano, indígena, europeo, una mezcla de un montón de cosas.

Tiene especial interés por los documentales, ¿considera que están bien valorados en la industria del cine?

Creo que cada vez más. Antes quizás pertenecía a una élite intelectual y cinematográfica muy específica. Era raro ver un documental. Cuando el cine nació, el documental fue el manifiesto del cine de manera inmediata, en la escala evolutiva es como el primer tronco que se parte y ha acompañado el cine durante mucho tiempo, pero ahora vuelve a estar aceptado como película. Antes era algo informativo, algo que ayudaba a comprender algo pero ahora su función es esencial en el sentido que el documental, a diferencia de la ficción, explica las cosas. Es una manera muy substantiva de obtener una información que te ayuda a que uno saque conclusiones. Por eso está recuperando esta función esencial. Lo veo con el Festival de documentales ambulante que montamos con Diego Luna, 100.000 personas van cada año a diferentes partes del país, y eso es increíble.

Su amigo Alfonso Cuarón le hizo 10 preguntas al presidente de México, Enrique Peña Nieto, sobre la reforma energética del país, ¿qué opina sobre eso?

Me parece increíble, me parece un acto muy importante y valiente. ¡Comparto sus ideas! ¡Es mi mentor, mi compañero!

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Michel Hazanavicius: "Quería contar una historia que nadie había contado en el cine”

(FESTIVAL-CANNES) - Michel Hazanavicius, Bérénice Bejo y todo el equipo de The Search, En Competición, se presentaron ante la prensa para la tradicional conferencia. Fragmentos.

Michel Hazanavicius habla sobre la dificultad de abordar un tema tan sensible como el de The Search:

"Creo que nunca he hecho películas simples. En realidad, todas mi películas son fruto de una voluntad muy fuerte. Las exigencias del tema forman parte de los elementos inherentes al trabajo. Con este largometraje, buscaba varias cosas, pero principalmente contar una historia que nadie había contado en el cine. Me llamaba la atención asumir un enfoque lo más humano posible e hice lo necesario por crear una relación más directa con los personajes y la historia".

Michel Hazanavicius responde a una pregunta sobre la conveniencia de tratar ese tema:

"No hay conveniencia cuando se trata de Chechenia. Allí, se reúnen todos los ingredientes de la guerra moderna. Allí, la guerra pasó de ser disputada por militares a ser asunto de poblaciones civiles. Hay cientos de miles de muertos. Las imágenes son controladas y dirigidas. Me impresiona mucho que tanta gente sea víctima de masacres ante la indiferencia general".

Bérénice Bejo y Michel Hazanavicius en la conferencia de prensa

Michel Hazanavicius habla de la imagen del ejército ruso en su película:

"Mi intención era hacer una película sobre las personas, civiles o militares, que sufren la guerra. No quería que los tuviesen ninguna consciencia política. Leí bastante sobre el tema; por lo que entiendo, el ejército ruso era bastante duro y había mucha violencia en su funcionamiento. En esa época, el ejército estaba en plena reconstrucción y contaba en sus filas algunos mercenarios. Creo que no he distorsionado la realidad del cotidiano de los soldados".

Bérénice Bejo habla de su personaje y de la música:

"Lo que me gustó es que Michel haya escrito un personaje para mí que no es la heroína de la historia. En las películas de guerra, los occidentales tienen respuesta para todo. En esta película, los civiles son los protagonistas. La música es un elemento fundamental de la cultura de los pueblos en donde filmamos, en indispensable y es una forma de comunicar. El tema de la película es la resistencia".

Bérénice Bejo

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'The Search': crónica de una guerra olvidada por Michel Hazanavicius #Cannes2014

(FESTIVAL-CANNES) - El director francés Michel Hazanavicius regresa a la Competición este año con una película sobre la segunda guerra entre Rusia y Chechenia y sus consecuencias para la población civil. 

La película cuenta con la actuación de Bérénice Béjo, quien obtuvo el Premio de Interpretación Femenina en 2013 por El pasado (Le Passé) de Asghar Farhadi.

Michel Hazanavicius y Bérénice Bejo en Cannes 2014

The Search transcurre durante la segunda guerra de Chechenia, en 1999. Un niño escapa de su pueblo tras el asesinato de sus padres y se une al grupo de refugiados. Conoce a Carole, encargada de una misión para la Union Europea. Gracias a ella, el niño volverá poco a poco a la vida. Paralelamente, Raissa, su hermana mayor, le busca desesperadamente entre los refugiados civiles. Por su parte Kolia, un joven ruso de 20 años, se alista en el ejército y poco a poco se verá consumido por la cotidianidad de la guerra.

The Search se inspira en la película del mismo nombre de Serge Zinneman, estrenada en 1948, cuya trama se desarrolla en Alemania durante la Segunda Guerra Mundial. En aquella película, un soldado estadounidense acoge a un niño checo que ha escapado de Auschwitz. La película gozó de un gran éxito ante la crítica después de la guerra, pero luego cayó en el olvido. Michel Hazanavicius decidió adaptar esta historia en el contexto de la segunda guerra de Chechenia, cambiando especialmente el personaje del soldado por el de una representante de una ONG, interpretado por Bérénice Béjo. Como cineasta, tuvo la idea de construir un releato sobre la segunda guerra de Chechenia de 1999 a 2000, un conflicto prácticamente ignorado por los medios. Ya hace 10 años el director había producido el documental de Raphaël Glucksman, Rwanda: History of a Genocide, acerca del desinterés de la Humanidad de cara a ciertos conflictos.

Michel Hazanavicius junto al elenco protagónico de The Search

Conocido por sus divertidísimas adaptaciones de OSS 117, Michel Hazanavicius dejó su huella en el Festival de Cannes en 2011 con The Artist, que valió a Jean Dujardin el Premio de Interpretación Masculina. Gracias a esta película acerca de la decadencia de un icono de Hollywood, en blanco y negro y sin diálogos, Hazanavicius tuvo un enorme éxito internacional que le valió numerosos premios, entre ellos 5 Premios Oscar. Con The Search, Michel Hazanavicius nos permite descubrir una faceta más dramática de su carrera.

Abdul-Khalim Mamatsuiev y Bérénice Bejo

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(+TRÁILER): 'Lost River' de Ryan Gosling dice presente en #Cannes2014

(FESTIVAL-CANNES) - Ryan Gosling visita Cannes como director. El actor ya había acudido al Festival para presentar dos películas: Blue Valentine de Derek Cianfrance en 2008 y la atípica Drive del director danés Nicolas Winding Refn, Prix al mejor director en 2011. Este año, Ryan Gosling compite por el premio Un Certain Regard con una película fantástica sobre una familia que se transforma en un mundo macabro. El actor ahora director confiesa sus inspiraciones y el ambiente durante el rodaje de esta primera obra, Lost River.

Cuéntenos cómo surgió la idea de la película.

Al tratarse de mi primera película como director, quise comenzar por algo sencillo: contar una historia simple, como un cuento de hadas. Tuve la ocasión de trabajar en Detroit durante algunos días en otra película. Es una ciudad muy especial con una historia increíble y un futuro misterioso. Existen barrios abandonados que se extienden a lo largo de kilómetros, en los que viven familias y niños que crecen en calles donde las casas se han incendiado o han sido demolidas. Es surrealista y eso me hizo pensar en un cuento de hadas macabro y no solamente a causa de la destrucción. Así que decidí dirigir una película siguiendo ese mismo modelo, del sueño a la pesadilla, acerca de una familia que vive en una realidad que roza lo fantástico.

Ryan Gosling en la alfombra roja de Cannes 2014

¿Tiene algún recuerdo especial o una anécdota del rodaje?

Detroit alberga el templo masónico más grande del mundo. Tiene miles de habitaciones, incluyendo tres salas de teatro, una de las cuales puede albergar hasta 5.000 personas, y tres salas de baile. También hay salas de recepción y una sala de ejercicios militares. El 90% de estas habitaciones permanecen prácticamente vacías durante todo el año. Es una proeza arquitectónica cuyo ambiente recuerda actualmente al de la película "El resplandor". Sin embargo, la dirección y el mantenimiento del templo corre a cargo de personas muy amables y hospitalarias. Fueron indispensables para nuestro proyecto, porque toda la producción de la película se realizaba en el templo. Todos nuestros despachos estaban allí: decoración, vestuarios, peluquería y maquillaje... También los actores tenían sus alojamientos allí mismo. La mitad de las escenas de interior se filmaron dentro del templo y algunos de nuestros despachos de producción también se hicieron un hueco en algunas escenas de la película. Lo auténticamente notable de todo esto es que aunque intenté utilizar al máximo el edificio, solo aparece una pequeña fracción de todo lo que tiene por ofrecer.

Ryan Gosling tras cámaras de Lost River

¿Podría hablarnos de su próximo proyecto?

Estoy escribiendo una comedia. De momento, no es muy divertida y estoy intentando poner remedio a eso.

¿Qué cine le influyó más?

El cine de los años 80 y el inicio de los 90 fue el que más me influyó. Desde el Videodrome de David Cronenberg al Halloween de John Carpenter. Las películas fantásticas, los dramas, las comedias y las películas de terror se entremezclaban. Compartí muchas referencias con mi compositor Johnny Jewel mientras realizábamos la banda sonora original de mi película y en un momento determinado me dijo: "Maldita sea, ¡¿qué fue lo que pasó entre 1988 y 1994?!".

Ryan Gosling junto al elenco protagónico de Lost River en Cannes 2014

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Luc Dardenne: "Creo que todavía se puede ser solidario hoy en día"

(FESTIVAL-CANNES) - Jean-Pierre y Luc Dardenne se han sometido al inevitable ejercicio de la conferencia de prensa con motivo de su película en Competición, Deux jours, une nuit (Two Days, One Night). Para responder a las preguntas de los periodistas, la pareja de actores Fabrizio Rongione y Marion Cotillard estuvieron a su lado, así como el productor de la película, Denis Freyd. Extractos.

La solidaridad, en el corazón de Deux jours, une nuit, cuenta Jean-Pierre Dardenne: "Intentamos explicar cómo la solidaridad que encuentra Sandra, cómo el apoyo de su marido, transformarán a esta mujer para que finalmente se diga a sí misma: "He luchado, me siento feliz"".

Y Luc Dardenne remata: "Creo que todavía se puede ser solidario hoy en día. En cualquier caso, es lo que la película trata de decir".

Conferencia de prensa de Deux jours, une nuit

Marion Cotillard sobre la interpretación, que llevó a pensar a los periodistas que las escenas habían sido improvisadas: "Para alcanzar este sentimiento de verdad y esta impresión de que ha sido improvisado, existe mucho trabajo. Nada se ha improvisado".

Fabrizio Rongione insiste sobre la importancia de los ensayos en el cine de los hermanos Dardenne: "Con los hermanos, el concepto de ensayo resulta fundamental, todas las escenas se ensayan. Se hacen varias tomas para llegar a la confluencia casi perfecta entre el cuerpo de los actores y el movimiento de la cámara. El ensayo es una palabra clave en su cine".

Marion Cotillard en la conferencia de prensa de Deux jours, une nuit

Marion Cotillard sobre la concepción del cine de los hermanos Dardenne: "Cuando comenzamos los ensayos, hablaban del espectador, algo que resulta muy poco común. En algunos platós, no existe siquiera el derecho a mencionarlo. Jean-Pierre y Luc hacen cine para el espectador. Tienen ganas de hacerle vivir cosas".

Póster oficial de Deux jours, une nuit

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